Hagamos historia… Del traje en teatro y vestuario. Parte I

Historia del vestido y de los textiles

A lo largo de la historia, la configuración, los materiales y las técnicas para la confección y fabricación de los vestidos, han variado enormemente según los conocimientos, las posibilidades y los gustos de los distintos pueblos.

Los motivos por los que los hombres y las mujeres de todas las edades tienden a cubrirse el cuerpo son de muy diversa índole; entre ellos, figuran la necesidad de protegerse del frío y las inclemencias atmosféricas, el pudor sexual, el deseo de establecer distinciones sociales o religiosas y el gusto por embellecer el aspecto externo de la persona.

Cada pueblo, cada civilización, cada siglo ha tenido sus propios modelos de vestido, los cuales se enmarcan en la evolución económica, ideológica, religiosa, social, política y cultural por la que han transitado, sin que ello haya implicado el abandono de las prendas tradicionales de vestir.

Más adelante desarrollaremos el siguiente análisis:

1. Culturas primitivas

2. Culturas antiguas

3. Pueblos bárbaros y principio de la edad media

4. Atuendos del México antiguo

5. El Renacimiento y las modas europeas

6. La Revolución Francesa y el siglo XIX

7. La evolución del siglo XX

Autor: CPC Luis Moreno Noriega. Profesor de la ULSA, Miembro de la Comisión de la Revista. IMCP ::: Instituto Mexicano de Contadores Publicos

TEATRALIZARTE

Primer y único sitio enciclopédico Argentino con técnicas gratuitas de arte escénico para teatristas independientes. WWW.TEATRALIZARTE.COM.AR: Esta pagina contiene información teatral independiente- Off- under y vocacional. La enorme colección de láminas de la historia del traje ordenadas por año, época, tipo de vestuario. La visitan, actores, grupos, productores, directores y técnicos, salas, espectadores, Medios (diarios, revistas, radio y TV) e Instituciones Culturales privadas, Nacionales, Provinciales Municipales, además la consultan escuelas primarias y secundarias de todo el país.

Aquí la primera parte de una extensa publicación

 

Historia del Vestido

HISTORIA FOTOGRAFICA DEL VESTIDO 1400AC A 1400DC




HISTORIA FOTOGRAFICA DEL VESTIDO 1400 A 1680


1440 – 1526

1540 – 1595

  HISTORIA FOTOGRAFICA DEL VESTIDO 1680 A 1898

1693  – 1760

1778 – 1796

1800 – 1834

Modelaje

VESTUARIO 1940 FEMENINO


sastre con falda 

vestidos drapeados

blusa y falda

drapeado con sombrero

blusa y pantalon ancho

traje rayado ancho

ala reducida con moño

marinero sin ala 

marinero con banda 

molde traje o falda

ropa interior

molde vestido niña


VESTUARIO 1940 MASCULINO

traje tipico europeo

traje a rayas leves

traje  combinado marino

VESTUARIO JAPONES TIPICO

kimono de lino

kimono claro

kimono obscuro

vestimenta rural

kimono semilisos

kimono 

sandalias 

sandalias 

sandalias 

telas floreadas

vestimenta del 40 

telas cuadrangulares

 

VESTUARIO DE 1890 A 1930

1900

INDIA 1920

1930

1930 de gala 1910 1900

VESTUARIO DE 1930 A 1960

1930 1940 1960

VESTUARIO DE 1960 A 1980

1960 1960 1980
1970 1970 1960

 

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Acerca de las normas de vestimenta según Cookieface

uniformes de trabajo

Escribe A. Velazquez , humorista incomprendido.

Siendo un abanderado de “trabajar en calzones desde casa” me resulta increíble que siga habiendo compañías que en días de 40 grados obliguen a sus empleados a vestir de traje. Ojo, se me hace tan increíble como ver un Papá Noel nevado y vestido de lana en pleno sol de diciembre.

Que el traje y la corbata siga siendo símbolo de elegancia luego de una sopa de espaldas en el subte es aún más inaceptable… Siempre pensé: ¿como vestirá un oficinista de la zona más cálida de Natal, Miami o de Quito? ¿Uds. saben? Tal vez sea vistiendo un incómodo ambo también.

Como en todos los aspectos de la vida, siempre hay algunos avivados que se van de jogging y remera para luego cambiarse en el baño de la oficina, mientras que al empleado bancario promedio se lo puede ver sudando un Iguazú mientras pone cara de póker en el transporte público. ¿Qué gente rara que somos, no? No solo es culpa de los empleadores, todos aportamos nuestro granito al no poder abandonar antiquísimas costumbres de un mundo que hace rato ya no es lo que era.

El calentamiento global, el bastardeado ”casual friday” y las flexíbles normas de vestimenta de la mayoría de las nuevas compañias de internet han ido aniquilando de a poco esta mala costumbre de anudarnos corbata. De todas maneras estoy convencido de que aún hace falta un paso más allá: creo que la vestimenta debería adecuarse al clima del lugar, que deberíamos trabajar menos horas (hay demasiados tiempos muertos en el 9 a 18) y desde el lugar que nos guste (mientras se pueda).

Corporaciones del mundo: no se preocupen, no voy a empezar una revolución con esas banderas, pero téngalo en cuenta…Y uds. empleadores porteños, ¡despierten!: No hay aire acondicionado en el auto o en la oficina que alcance: a laburar en cortos señores.

Fuente: http://cookieface.com.ar/

Indumentaria del siglo XVII: París como foco del arte y la cultura

1. Panorama político y social del siglo XVII. 2. Síntesis de la indumentaria de este siglo. 3. La importancia de la industria y el comercio de los tejidos. 4. Los colorantes y los tejidos estampados. 5. Los encajes. 6. La indumentaria del pueblo entra en la moda.


El precedente de moda que intentamos explicar en este período histórico no es estudiando la vestimenta sino las materias primas, la entrada de la industria y el comercio en su transformación y los textiles, cuyo consumo se diversifica, ampliando el uso de la vestimenta en cantidad y calidad.

Francia, finales del XVI principios del XVII. Indumentaria masculina. Foto de la Exposición CHRISTIAN LACROIX, HSTOIRES DE MODE, Les Arts Décoratifs, musée de la Mode et du Textile, Paris, coll. UFAC

1. Panorama político y social del siglo XVII: París como foco del arte y la cultura

Si el 1500 se caracteriza por la preponderancia del estilo español en la indumentaria europea, en el 1600 es Francia, y Holanda en menor medida, quien impone su indumentaria en un vasto territorio. Con perspectiva histórica, se vislumbra  ya cómo van a funcionar ya las corrientes de la moda en el futuro. Ello tiene que ver con la idiosincrasia del pueblo francés y, por focalizarlo mejor, con la personalidad propia de una ciudad, París, que va a mantener esas características de “grandeur” para toda su historia. Desde este siglo, París se está construyendo con su peculiar fisonomía de esplendor, cultura y arte. El rey Francisco I, vencido por Carlos V en la batalla de Pavía, es una admirable paradoja, porque desde entonces la capital del reino francés va creciendo a base de embellecerse; podríamos exagerar un poco diciendo que crece más como una gran colección de arte que como crece una ciudad, pero en cierto modo es así. Todos los monarcas compiten en construir palacios y monumentos. Tal foco de admiración no puede por menos de ejercer también como centro creador y difusor de moda.

La importancia y el ímpetu de los movimientos artísticos y culturales en este siglo también son una gran contradicción respecto a la situación de guerras, divisiones políticas y luchas religiosas casi permanentes. El empuje del arte influye en la evolución de la indumentaria más que todo lo demás, haciéndola cada década más refinada y elegante. Y los protocolos sociales inician también esta misma evolución hacia modales de cortesía y delicadeza desconocidos hasta entonces. Esto además sin olvidar la ayuda de las economías que crecen. Todo ello conformará una nueva estética, que ya no será solamente cortesana sino social, porque la vida se concibe de forma diferente. En Francia se dictan también leyes suntuarias, pero ni Richelieu ni Mazarino son capaces de imponerlas y París nunca las cumple.

Italia y sobre todo España ven desaparecer la supremacía que ejercieron en el siglo anterior, sólo algunas princesas españolas inspiran ciertas modas. La Holanda independiente y la Francia que crece en absolutismo se imponen en los cambios que aparecen en la vestimenta. La influencia de las Academias y el nuevo movimiento artístico que es el Barroco están presentes en estos cambios de moda e incluso se corresponden, potenciando la imaginación y la virtuosidad de los creadores de moda. Lo mismo que en el Barroco, en el vestido la moda es la preciosidad, rompiendo con la rígida simetría del XVI. Sin embargo, la importancia que ha tenido el Renacimiento aun se hace notar y no deja entrever todavía un verdadero nuevo estilo.

Aunque decae tanto la influencia española sobre la moda en Europa, no decae la reputación de los sastres españoles, que son requeridos desde todas partes y se sigue hablando de un corte español.

2. Síntesis de la indumentaria de este siglo.

  • El jubón que visten los hombres aparece con hombreras, para ampliar los hombros y perfilar el torso.
  • El jubón femenino es ajustado y lleva unas faldillas que van cosidas al jubón a la altura de la cintura, ampliando las caderas; para sujetar las faldillas en esta posición, se colocaba un rollo de tela relleno (el verdugado de tambor) debajo de la falda.
  • A partir del 1680, la blusa-cuerpo con ballenas es rígida, ajustada y alargada, con las mangas cortas y ahuecadas dejando pasar las de la camisa, también ahuecadas y terminadas por un volante de encaje.
  • Para defenderse del frío, las mujeres llevan vestidos superpuestos. Manteletas, en forma de bufanda, incorporan un capuchón.
  • El longevo rey de Francia, Luis XIV, sufre una enfermedad que lo deja calvo: aparece la peluca, que no tardando mucho va a ser un furor de moda.
  • Lo que hoy llamamos trajes regionales un cada uno de los países europeos, en realidad son los trajes que Europa viste en la segunda mitad de este siglo XVII.
  • Del antiguo manto español nace la mantilla española, (vigente hoy todavía en la indumentaria tradicional).
  • La prosperidad creciente de la clase burguesa deja a ésta definitivamente inmersa en el mundo de la moda.

El desarrollo de la maquinaria en hilaturas y tejeduría, así como el incremento del comercio en materias primas, incide directamente en una mayor producción de indumentaria, que también la diversifica (incluso con nuevas prendas, como el camisón de dormir). Todo ello permite que también las clases populares, especialmente artesanos y empleados administrativos, burgueses más o menos ricos, entren a contar en el consumo de indumentaria.

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En el vestido femenino, las faldillas van cosidas al jubón, a la altura de la cintura, ampliando las caderas. Terciopelo de seda, bordado en oro y pasamanería, hacia 1605. Museo Textil y de la Indumentaria, Barcelona, Es. Col. Rocamora. Foto Edym, 2009 Junto al modelo del 1600 se ve otro vestido del siglo XXI que recupera la idea del jubón ajustado y de las faldillas con volumen, ahora con tejidos ligeros y elásticos, que eliminan la antigua rigidez. Modelo de Emilio de la Morera , Londres, 2008.

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Chupa de heraldo; Amplia los hombros y perfila el torso.  Terciopelo de seda, con cierres y botones metálicos. Hacia 1650. Museo Textil y de la Indumentaria, Barcelona, Es. Col. Rocamora. Foto Edym, 2009

3. La importancia de la industria y el comercio de los tejidos

En 1662, el Parlamento inglés prohíbe toda importación de los encajes de Flandes. Los comerciantes ingleses intentan, sin éxito, traer obreras flamencas para fabricarlos en Inglaterra. Los contrabandistas se dedican a falsificar los documentos de las mercancías compradas en Flandes y éstas aparecen en la Islas Británicas como producto nacional. Ejemplos elocuentes de cuánta importancia adquirió la industria textil y cuánto y cómo aumentó el comercio de la materia prima textil.

En general, se puede afirmar que toda novedad aparecida en cuestión de indumentaria en este siglo adquiere enseguida tamaño e importancia tan considerable que los gobiernos de cada país actúan de inmediato, para contrarrestar los perjuicios que su descontrol puede ocasionarles. No sólo para materias primas, lana, algodón, lino, seda; lo mismo para los colorantes y los nuevos tejidos, cuando aparecen.

En la mitad del siglo XVII la industria textil alcanza tal tamaño que resulta determinante en la economía de todos los países. Faltos de experiencia en la política económica que requiere la nueva situación, en Francia y sobre todo en Inglaterra se suceden absurdas regulaciones que no hacen sino crear desconcierto, neutralizar la creatividad de los artesanos y causar hambre y agitación entre los obreros y campesinos. Es interesante anotar aquí que el consumo de los tejidos aumenta en gran medida porque los trabajadores comienzan a vestirse más y mejor que en el siglo pasado. El incremento del consumo y de la producción se ayudan mutuamente; entre ambos dan origen a la diversificación de tejidos.

En el norte de Europa hay tejidos de lino antes de la romanización, al igual que ocurre en el Oriente Próximo. En el escudo de la Asamblea de Irlanda del Norte hay flores de lino. Pero la calidad de los tejidos de lino hechos en Holanda en este siglo no son ni siquiera imitados de lejos por los fabricados en otros países; y de ahí el temor de los ingleses.

La mayor calidad requerida a estos tejidos exige de la lana también una mejora como materia prima. La mayor parte de las productoras de lana del continente europeo y de las exportadas a Australia y Argentina en los siglos XV al XVIII, proceden de la merina española1, traída a España por los árabes benimerines (procedentes de lo que ahora es el Norte de Marruecos) a principios del siglo XIV, cuando invadieron y poblaron una parte de la actual provincia de Cádiz. Toda Europa compra lana en la gran feria de Medina del Campo (Valladolid, España) y en Segovia está el mayor almacén de lana merina.

La gran competidora de la lana es la seda, proporcionada sobre todo por Italia, exportadora de telas para trajes, y por España ; la seda de Murcia se emplea sobre todo en pasamanería. Por otra parte, la seda levantina y la de China abastecen un muy importante consumo europeo.

Aunque la seda es, en el traje rico, el tejido ciertamente más empleado, se debe tener en cuenta la competencia que le hace pronto el algodón bajo la forma de los tejidos estampados.

4. Los colorantes y los tejidos estampados

Desde mitad del siglo, vistosos tejidos de algodón, estampados en vivos colores entran en el mercado europeo de mano de comerciantes portugueses, que los traen de Asia. Enseguida se hacen famosos entre la gente elegante que, aun reconociendo que no son precisamente como sus ricas telas de lino y seda, los adoptan para el vestuario doméstico: las mujeres hacen con ellos delantales y los hombres los adoptan en su batas caseras. El favor de estas telas tintadas crece aún a la ocasión de las visitas de embajadores orientales y su escasez relativa aumenta su fama al mismo tiempo que su precio, casi inaccesible para las mujeres de la burguesía ; por eso industriales sagaces buscaron producir a bajo coste las telas similares; pero otra vez la legislación proteccionista prohíbe la importación de esta telas y ahora la naciente industria europea que se estaba especializando en ellas. La policía francesa incautaba estas telas en el mercado de Saint Germain y las hacía quemar; en algunas provincias, mujeres eran despojadas de sus “vestidos indios” en la calle por la policía.

Las investigaciones hechas en este tiempo en materia de colorantes textiles ofrecen un interés especial, no sólo por su lado técnico sino también por la novedosa variedad que significó para la moda. Por otra parte, la telas tintadas tienen aquí su importancia por el nuevo papel que jugaron en la confección, extendiendo el uso del algodón, considerado hasta entonces como una industria textil inferior. La lencería en la clase media pudo aprovechar el algodón abarato, mientras los ricos seguían fieles a la tela de lino. Es de esta forma como se extiende el uso del popular camisón.

Al final del siglo, Inglaterra y Holanda disponían de colorantes de ultramar de excelente calidad. Pero son los tintoreros franceses quienes consiguen verdadera variedad y calidad de tinturas.

5. Los encajes

En el siglo XVI abundan los bordados sobre el tejido. Después se extraen hilos del tejido y se borda sobre los que quedan; cortando la tela , se borda en los agujeros. François Boucher cuenta de manera anecdótica cómo aparecieron los encajes: las obreras italianas tuvieron la idea de enlazar hilos del borde de la tela y de bordar sobre estos hilos sueltos; el punto in aera había nacido. En España se llama punto de ganchillo, tejido con un solo hilo y con una aguja especial, en forma de ganchillo. El encaje de bolillos, también abundante en España, es del mismo tipo. Enseguida el punto de ganchillo se extiende por todos los países y las damas de la clase popular lo adoptan como arte doméstico, del que existen verdaderas obras maestras.

Está por demás sobrado que otra vez las dichosas leyes suntuarias quieren atajar esta moda. Richelieu, que en principio lo prohíbe tajantemente, no tarda mucho en adoptarlo ostentosamente en su propio vestuario cardenalicio y cortesano; quisieron que las tejedoras venecianas formaran obreras francesas. Este tipo de encaje se hace famoso en la Normandía y Borgoña. Todos los países y regiones van añadiendo su impronta al género de ganchillo, al nuevo encaje de moda, y así son famosos también los valencianos, en España, tanto como los venecianos y los normandos.

6. La indumentaria del pueblo entra en la moda

  • La sencilla vestimenta popular sigue manteniendo el estilo de la etapa anterior. Las mujeres llevan falda hasta los pies, que levantan para el trabajo (falda remangada y atada en la cintura).

  • La blusa sigue más o menos ajustada al busto.

  • Los hombres llevan blusón normalmente más holgado, con alguna abertura abotonada. Esta  la camisa es a menudo de tela bermejuela e incluso de cáñamo entre los campesinos. Pero es el algodón sin tintar (el permitido por las restricciones gubernamentales a la importación) lo que abunda en la vestimenta popular y hace que, además, ésta se diversifique.

  • Pantalón de media pierna. Sombrero de fieltro, de ala ancha.

  • Abundan los paños gruesos, sargas; el paño de lana fina es utilizado por los artesanos, la gente de oficio, más profesionalizada.
    Abunda el color oscuro o mate, gris o marrón; el negro domina las sayas de las mujeres.

  • Botones de plata, bandas de terciopelo, bufandas de tafetán, ponen una nota de lujo sobre estos tejidos sin otro resplandor.

  • Por lo general, está más vestido el obrero ciudadano que la gente del campo.

  • La sarga del artesano marca la gran diferencia con el terciopelo y la seda del noble y del gran burgués: uno viste lo estrictamente necesario, otro se distingue con lo superfluo.

  • Finalmente, volver a recordar que la indumentaria de este siglo XVII, junto con los atuendos complementarios de ésta, van a fijar lo que se viene llamando después y ahora los trajes regionales. Y ello está también relacionado con la extensión de la indumentaria hacia lo popular, que adoptaron la de nobles y altos burgueses en su forma más simplificada.

NOTAS

Lana merina. Ver una más amplia exposición de la lana en la sección de tejidos, en el Capítulo 6.

Trajes regionales. Puede verse una larga colección de trajes regionales españoles y de algunas colonias en el documento anexo con este mismo nombre.

BIBLIOGRAFÍA

Historia general de España, Espasa Calpe.

Mujeres españolas, Salvador de Madariaga, Austral.

Cristóbal Colon, Salvador de Madariaga, Espasa-Calpe.

Memorias de Cristóbal Colon, Stephen Marlowe, Mondadori.

Isabel la Católica, Tarsicio de Azcona, Sarpe.

El vestido en la época de los RR CC, Vol. I, El traje femenino, Germán Vernís.

Trajes civiles y militares en los días de los RR CC, Narciso Centenach, Boletín de la Sociedad Española de Excursiones.

Histoire du costume, François Boucher, Flammarion, Paris, 1983

FUENTE: EDYM

Breve historia del traje y de la moda, J. Laver, Ensayos Arte Cátedra.

François Boucher, Ob. cit. p 283

El flamenco: Origenes, historia, vestuario. Entender el flamenco…

¿Qué es el flamenco? Sus origenes e Historia del Flamenco, El traje de flamenca y su historia, Faldas, top e indumentaria de ensayo, El calzado.  Accesorios: castañuelas, mantillas, peinetas, abanicos. Presente y futuro.  Entender el flamenco… todo en esta nota.

Especial agradecimiento a www.esflamenco.com quienes, además de comercializar todos los productos relacionados con el baile, tiene información valiosa para lo que quieren saber más.

¿Qué es el flamenco?

El flamenco es un fenómeno musical que, pese a sus raíces populares, sobrevive a los tiempos y las modas y trasciende fronteras y nacionalidades. Es un arte vivo que ha bebido de todo tipo de tendencias sin perder su personalidad. Pero su principal característica es la conexión con el público que participa de forma emotiva y sentimental. Aunque sea la primera vez que se acerca a esta disciplina, la sensibilidad se despierta y llega al corazón. A este misterio característico se le conoce como duende. Por eso el flamenco también recibe el nombre de arte jondo, porque ahonda en los sentimientos. También hay quien le llama arte gitano por la influencia que ha aportado esta etnia a su nacimiento y desarrollo.

Desde los músicos más clásicos hasta los grandes del jazz, muchos músicos se han sentido cautivados por el flamenco. Estas son algunas de las cosas que han dicho de él:

“No hay música más rica ni más viva en toda Europa”
Manuel de Falla

“El flamenco es como nuestro blues”
Miles Davis

“Siento algo histórico al oírlo, especial… Siento que me es familiar”
Chick Corea

Sus orígenes

El arte flamenco es el resultado de una suma de culturas musicales que se desarrollaron en Andalucía y se transmitieron de generación en generación. Su historia no es muy antigua y cuenta con poco más de doscientos años de existencia. Sin embargo, en esta música se pueden hallar huellas ancestrales de la música judía, la árabe, la castellana, la antigua andaluza y la gitana, es decir, de todos los pueblos que pasaron por Andalucía. Los que más influyeron sobre la base del folclore andaluz para el surgimiento del flamenco fueron los gitanos. Llegaron a España en el primer cuarto del siglo XV, aunque hasta mediados del siglo XIX no aparece la palabra flamenco en referencia a los cantes y bailes de la región andaluza en España.

Historia del Flamenco

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Desde su origen hasta el momeno actual, el flamenco ha vivido una larga historia que lo ha convertido en lo que actualmente es. Desde la intimidad de patios, fraguas y lugares de trabajo, el flamenco llegó a los cafés cantantes y a los grandes recintos. Sufrió cierto desprestigio por su masificación y porque comenzó a hacerse superficial. Desde mediados del siglo XX, el flamenco se ha ido valorizando y en la actualidad pasa por un momento de gran auge.

Etapa primitiva (Desde mediados del XVIII a mitad del XIX)

Ya por estas fechas comienzan a existir asentamientos gitanos estables en los suburbios de Sevilla, Jerez, Granada, Utrera y Cádiz y durante sus fiestas y celebraciones se reúnen a cantar y bailar. También trabajan como temporeros en fincas rurales y, por las noches o en jornadas festivas, organizan cantes y bailes.

Los primeros cantaores conocidos en esta etapa son: El Planeta, cuyo apodo se debe a la permanente alusión en sus coplas a los astros, y El Fillo, que se caracterizó por su voz afillá, es decir, oscura, ronca, de garganta. Es la que se utiliza para el cante más jondo.

La edad del café cantante (Desde mediados del XIX a los años 20)

En este periodo el flamenco se difundió al máximo ya que, hasta entonces, había estado recluido en círculos cerrados. También el baile adquirió un apogeo sin precedentes. La razón de esta difusión está en el surgimiento del café cantante, un local de bebidas y comidas donde se ofrecían recitales flamencos. Sevilla y Cádiz son las primeras ciudades andaluzas donde se abren estos locales, pero también los hubo en otras capitales españolas como Madrid y Barcelona ante el éxito comercial del espectáculo.

Por primera vez, se paga por cantar y la competencia hace que surjan distintas escuelas de cante y la guitarra de acompañamiento. Había quienes pensaban que esta profesionalización estaba haciendo daño al primitivo cante gitano andaluz y se organizó en Granada el Concurso Nacional de Cante Jondo de 1922 cuyo principal impulsor fue Manuel de Falla, pero que no llegó a interesar al pueblo. Algunas figuras de esta época dorada fueron Silverio, El Nitri, Enrique el Mellizo, Manuel Torre o Antonio Chacón.

La ópera flamenca (Desde mediados los años 20 hasta finales de los 50)

El nombre se debe a motivos económicos ya que se tributaba menos dinero por un espectáculo operístico que por uno de variedades. En esta etapa el flamenco se masificó. Empresarios profesionales organizaban el espectáculo y lo celebraban en plazas de toros y grandes teatros en giras por los pueblos y ciudades de España.

Está considerado por muchos como un periodo nefasto para el flamenco. El cante puro se desprecia, se pierde el gusto por lo auténtico, el fandango se hace el rey del cante y se valora lo superficial. Con el tiempo, el quejío se sustituye por gorgoritos y filigranas. El cantaor más representativo de esta etapa fue Pepe Marchena.

Revalorización del flamenco (Desde 1954 a la actualidad)

A mediados de los cincuenta se revaloriza el flamenco. Se publica la primera Antología del Cante en Francia por Hispavox, González Climet publica su libro Flamencología y en 1956 se celebra el primer Concurso Nacional del Arte Flamenco de Córdoba. El flamenco llegó al gran público sin perder su esencia a través de los festivales al aire libre en los que compartían cartel varios artistas. Antonio Mairena fue el gran impulsor de este proceso.

El florecimiento económico de los sesenta y el crecimiento del turismo contribuyeron a la proliferación de los tablaos, como modernización del antiguo café cantante. El baile es la base del espectáculo y el público que predomina es extranjero, por lo que estos locales han tenido un papel fundamental en la internacionalización del flamenco. Otro elemento de difusión ha sido el disco. También los teatros se convirtieron en importantes promotores del flamenco a partir de los 70 y los espectáculos teatrales comenzaron a recorrer los escenarios de España y el mundo entero.

Historia del traje de flamenca

Tradición reinventada para la mujer en flor

El traje de flamenca trasciende la categoría de traje regional. El atuendo con el que la mujer sevillana florece cada primavera, con el que florecen bailaoras y cantaoras sobre el escenario, está en constante evolución por imposiciones de una moda autogenerada y reinventada cada temporada.


La Macanita viste tradicional
(Foto Javier Hurtado)

Origen. El origen del traje de flamenca se encuentra en los vestidos de faena de la mujer andaluza decimonónica, los mismos que habrían de lucir las acompañantes de los tratantes de ganado que, con motivo de la Feria de Abril de Sevilla, se reunían en el Prado de San Sebastián desde 1847. Como el ocio hizo sucumbir al negocio y la feria perdió su apellido -de ganado- lo festivo de la reunión engalanó aquella primigenia bata, obteniendo incluso el plácet de las señoras de alta alcurnia en la Exposición Iberoamericana de 1929. La profesionalización del flamenco actuó, por las mismas fechas, de forma paralela en la consagración de la vestimenta tradicional andaluza como vestuario propio del escenario, enriqueciéndose en tejidos, ornamentos y complementos: encajes, tiras bordadas, flores, bisutería, mantones de Manila, abanicos… Una libertad creativa que actuó, junto a la naturaleza realzadora de la belleza femenina, como acicate en la evolución de un traje que en los años sesenta incluso llegó a hacerse minifalda.

Tradición en evolución. El traje de flamenca conjuga tradición e innovación, pues si bien conserva una estructura básica sustentada en un cuerpo entallado sobre el perfil de la cadera y una falda de volantes, sobre este armazón la creatividad fluye. A partir de los años noventa, tras una década de trajes barrocamente recargados de encajes y cintas de raso, el traje de flamenca, en un alarde de sencillez, se desvistió de adornos, almidón y caderas escondidas, sufriendo una metamorfosis de la que salió vaporoso, ligero y sensual. Telas sedosas, colores lisos y el sempiterno lunar comenzaron a envolver a una mujer que luce todo su contorno bajando talle y volantes, ya fuera desnudando los brazos o con ellos pudorosamente cubiertos. Ya superado el segundo milenio, se vuelve la mirada atrás y se rescata el popelín sin renunciar al talle bajo, se parte el traje en dos piezas, se agranda el lunar… Un continuo inventarse que implica de lleno a todos los complementos, es decir, a los avíos. Si un año se lleva la flor grande y baja junto al moño, al siguiente pequeña y alta; si un año el pendiente de aro, al siguiente de pera; si un año el mantoncillo con flores pintadas, al siguiente de tela estampada…


Eva la Yerbabuena vestida por Montesinos en ‘La voz del silencio’ (Foto Javier Hurtado).

Industria. Y esta permanente reinvención obliga a sus portadoras a no perder ojo de las claves de una moda que nace tanto en la máquina de coser de la modista aficionada, como sobre todo en las cadenas de las ya grandes firmas dedicadas a la fabricación de este peculiar atuendo. De hecho, el sector ya mueve más de ciento veinte millones de euros (veinte mil millones de pesetas) anualmente, según datos de la Asociación de Empresarios de la Moda Flamenca, cifra cuyo grueso se reparten una treintena de fabricantes concentrados principalmente en la provincia de Sevilla. Muestra de la pujanza de este segmento es el Salón Internacional de Moda Flamenca (Simof), organizado por la agencia de moda Doble Erre y Hotel Alcora, que en su octava edición -celebrada en febrero de 2002- congregó a más de una veintena de diseñadores que enseñaron sus creaciones en dieciocho pasarelas a diez mil visitantes.

Alta costura. Y es que el traje de flamenca se ha hecho hueco hasta en la alta costura como inspiración para modistos como Yves Saint Laurent o los sevillanos Vittorio & Lucchino, que han llegado a crear una exclusiva línea de trajes de flamenca. Este encandilamiento también se ha extendido a la variante escénica del traje de flamenca, pues si Francis Montesinos viste a Eva Yerbabuena, Armani viste a Joaquín Cortés. Pero esta entente no es por todos aprobada, especialmente en el caso de la mujer. La bata de cola almidonada de Matilde Coral frente a las gaseosas batas de Sara Baras. Purismo frente a renovación. El debate se cuela por todos los ámbitos susceptibles de evolución.

Trajes de Flamencas

El traje de flamenca no mantiene normas formales establecidas, sino que es objeto de una continua renovación. Al contrario de lo que ocurre con otros trajes tradicionales, su forma cambia constantemente y, de hecho, es el único traje regional que evoluciona con la moda. Por esta razón, el estampado puede variar ligeramente según la temporada.

Su origen se remonta a la antigua feria de ganado de Sevilla y las batas que vestían gitanas y campesinas. Con el tiempo fue evolucionando hasta convertirse en elemento indispensable en la Feria de Abril y cualquier otra celebración andaluza. Seguramente el secreto de su éxito reside en que es un tipo de traje cuyo corte resalta la figura femenina

El traje va siempre acompañado de distintos complementos: mantones, flores en el pelo, pulseras, zarcillos, peinetas, peinecillos todos ellos en un amplio juego de combinaciones de colores y variantes que aumenta sus posibilidades.

Los diseños varían todos los años según las modas. Es el traje que debemos vestir si vamos a la Feria de Sevilla o a cualquier otra feria de Andalucía. Hay quien lo llama traje de faralaes, pero este término no es del todo correcto. Se complementa con mantoncillo de flecos, flores en el pelo a un lado del recogido, peinecillos y pendientes grandes. Todos los complementos deben ir en un color a juego con el vestido.

Más Modelos

Faldas

La falda es confeccionada en tejido de punto de la mejor calidad (100% poliéster). No se hace carreras, es ligero y tiene caída. La cinturilla es elástica, sin cremallera ni corchetes, por lo que se ajusta a la perfección a la cintura de cada bailaora y tiene fácil arreglo si hay que ajustarla un poco más. De fácil lavado y cuidado. Sólo hay que tratar de no arrugarla demasiado al guardarla. Lo mejor es colgarla de una percha para que no se deforme.

Este modelo se caracteriza por llevar canesú, que es la pieza de tela superior que se ajusta a la cadera a partir de la cual empieza la capa de la falda. En la imagen se ha elegido negro para el canesú y la falda (A), y negro con lunares blancos para el volante (B). Esta combinación queda bien en cualquier color, siempre que A sea un color liso y en los lunares el color de fondo sea el mismo que se ha elegido para el resto de la falda. También puede hacerse en un solo color.

Consejo: No elijas dos colores lisos si no quieres que el volante parezca un parche. Sugerencia: Azul (A) + azul con lunares blancos (B).

Falda con godet

La falda de ensayo

La falda de ensayo tiene que cumplir los siguientes requisitos: que sea cómoda, que tenga vuelo y que siente bien. Las posibilidades son enormes. En esflamenco.com te ofrecemos una amplia variedad de combinaciones para que diseñes tu propia falda.

La comodidad está relacionada con la calidad de la tela que deberá ser ligera. También tiene que ver con el vuelo que tenga la falda para facilitar su manejo. La falda de ensayo es un poco más corta que la de escenario. Esto es así para que se te vean los pies. Así podrás ver cómo mueves los pies ante el espejo y el profesor podrá corregirte cuando sea necesario.

El vuelo depende de los metros de tela y de las quillas que tenga. Se llama quilla a cada una de las costuras verticales que unen cada uno de los trozos de tela que forman la falda. Cuantas más quillas, más vuelo.

Para que siente bien y la figura resulte estilizada es importante que la falda tenga mucha caída. Esto se consigue con la tela, con los godets y con los volantes. Los godets son unos pliegues de tela cortados a capa y que se añaden en la parte baja de la falda para darla más vuelo y más peso.

Elegir la falda con volante/s o sin ellos depende de los gustos. Si te gustan los volantes, con uno o dos es suficiente, no te pases.

Desde esflamenco.com te ofrecemos una amplia gama de posibilidades para que personalices tu falda de ensayo a tu gusto. Con volante o sin él. Lisa, de lunares o ambas cosas a la vez. Con más o menos vuelo. De capa o con quillas. De un color o de varios. Medidas y tallas. Y hasta una selección de los tops que mejor combinan. Diseña tu propia falda, hay muchas combinaciones posibles.

Tops de Baile


El calzado

Zapatos Menkes
Menkes es una prestigiosa marca que ha adoptado las más modernas tecnologías para ponerlas al servicio del concepto y la tradición artesanales que garantizan desde hace 50 años la calidad y la resistencia de todos sus productos. 

Zapatos Ainhoa
Fabricados en el pequeño taller del maestro Ángel Blanco en el madrileño barrio de Malasaña, Zapatos Ainhoa se abre al mundo a través de esflamenco.com. Con este nuevo proyecto, cualquier usuario de Internet puede adquirir esta auténtica obra maestra de artesanía. Además, al comprar directamente al artesano puedes tener tus zapatos flamencos

Zapatos Bulería Sabates
Bulería Sabates es una empresa zapatera española especializada en la fabricación de zapatos de baile flamenco. Todos ellos hechos a mano de manera totalmente artesana y con materiales de primera calidad. Procedente de la provincia de Alicante (España), cuna por excelencia del calzado femenino de calidad, los zapatos de Bulería Sabates son el complemento preferido por los profesionales del baile flamenco. Sus modelos destacan por la originalidad de sus diseño

ZAPATOS ÉLITE
Todas las excelentes calidades del modelo profesional se han reforzado para que sean más duraderos; doble suela de cuero con doble cosido y doble cantidad de clavos en la puntera. Elaborados con piel de vacuno de primera calidad y suela de cuero diseñada para lograr una perfecta resonancia.
ZAPATOS PROFESIONALES
Para no parar de bailar.  Los que mejor suenan y los más resistentes. Elaborados con piel de vacuno de primera calidad, suela de cuero cosida a mano y diseñada para lograr una perfecta resonancia. Toda una obra de artesanía para tus pies.
ZAPATOS SEMIPROFESIONALES
Elaborados con piel de vacuno de primera calidad y suela de cuero, las únicas diferencias con el modelo profesional están en que la sonoridad al zapatear es algo peor y que la suela va pegada en vez de cosida, lo que puede hacer que con el uso se despegue.
ZAPATOS ACADÉMICOS
Tus primeros zapatos. Pensados para principiantes, su elaboración es menos artesanal y los materiales de fabricación son más económicos que en los zapatos semiprofesionales y profesionales. Las diferencias fundamentales están en la piel, que es de calidad inferior, y en la suela, que no es de cuero sino sintética y va pegada en lugar de cosida. Esto abarata bastante su precio, por lo que son los zapatos idóneos para dar tus primeros pasos.
BOTOS FLAMENCOS PARA HOMBRE
Botos disponibles en diferentes calidades; élite, profesional, semiprofesional y académicos.
ZAPATOS PROFESIONALES DE DISEÑO
El modelo soleá profesional de siempre ahora disponible en diversas combinaciones

Castañuelas

Las castañuelas son un instrumento de percusión con siglos de antigüedad; su origen se remonta al año 1000 AC. a los fenicios, una cultura inminentemente comercial, que prosperó en los países de la cuenca del mediterráneo: Grecia, Turquía, Italia,  España, etc. Sin embargo, a través de la historia, ha sido España el país que ha conservado y ha desarrollado su uso desde entonces, las castañuelas son parte del patrimonio cultural de España (se consideran el instrumento nacional del país). Así, las castañuelas se utilizan generalmente para dar color y un carácter español a la música.

Las castañuelas consisten en dos pedazos de madera especial que son en forma de platillo profundo, generalmente  de castaño, aunque se han utilizado otras maderas y  materiales en épocas más contemporáneas. Se perfora cada par para poner una cuerda ornamental, que se coloca alrededor del pulgar. Los tonos de los pares son distintos, generalmente; el más bajo se llama macho (varón) y el  más alto hembra. El par que suena más alto normalmente se lleva en la mano derecha. Las conchas cuelgan hacia abajo y son manipuladas por los dedos. Cada instrumento está hecho a mano y conforme al tamaño de la mano de su usuario.

Este estilo español de tocar castañuelas  se utiliza con poca frecuencia por una orquesta sinfónica, no sólo porque son difíciles de utilizar y  dominar sino también porque hay solo  cuatro concertistas profesionales de castañuelas en el mundo. Normalmente las orquestas utilizan dos conchas unidas a un palito que el maestro percusionista hace vibrar.

Las castañuelas se emplean generalmente en música (para dar ese carácter español) como en Carmen de Bizet,  la Rapsodia España de Chabier, y el ballet El Cid de Massenet.
Wagner escribió para las castañuelas  la música de Venusberg en Tannhauser (1861). También ayudan a establecer el ambiente de la escena en la Danza de los Siete Velos en Salomé de Richard Strauss.  Britten las empleó en su “Hacemos una ópera”, donde imitan el grito de un pájaro en la noche. También utilizan con frecuencia para apoyar la estructura rítmica, como en el Tercer Concierto de piano de Prokofiev.  Las castañuelas se consideran quizás el más sofisticado de los instrumentos de percusión.

Abanicos
Conoce la terminología específica de todos los componentes del abanico:
País: parte superior del abanico que va unida a las varillas. Normalmente es de tela.
Varillas: dan rigidez al abanico y tensan la tela. Pueden ser caladas o pintadas.
Cabecera: es el nombre que recibe la primera y la última varillas. Son más grandes y gruesas que el resto.
Calado: son los agujeros decorativos de las varillas.

Mantones y mantoncillos
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El mantón de Manila es uno de los complementos más vistosos del traje flamenco. En la actualidad, su origen (Manila, capital de Filipinas, antigua colonia española) no se recuerda más que en el nombre. La cultura española ha sabido apropiarse del mantón y asociarlo especial e inequívocamente al flamenco.
Peinetas y peinecillos
La peineta es el principal complemento de la mantilla para estilizar más la forma del rostro. Comenzó a usarse en el siglo XIX, pero sigue adornando a la mujer española en grandes ocasiones como bodas religiosas, Semana Santa o corridas de toros.
En cuanto al tamaño, debemos elegir una adecuada a nuestra altura y la de nuestra pareja, si vamos acompañadas. Las mujeres de baja estatura pueden optar por una peineta alta, aunque es más difícil de llevar. Las altas y de cara alargada pueden llevar una peineta más baja, que es mucho más cómoda.

Presente y futuro del Flamenco

El futuro del flamenco es todo un reto, ¿qué será de él de aquí a unos años? Ya en el presente hay mucha fusión, mestizaje y nuevos instrumentos que proceden de corrientes como el jazz, la salsa, la bossa nova o sones étnicos de diversas genealogías y geografía. En este terreno, los pioneros son los grupos Pata Negra y Ketama y, posteriormente, Navajita Plateá. También son muy importantes las aportaciones de hombres del jazz, como Jorge Pardo, Carlos Benavent y Chano Domínguez. Las opiniones entre el purismo y la evolución están divididas.

La guitarra

Hoy en día, la guitarra está adquiriendo un protagonismo quizás excesivo en el flamenco. Pero es en este instrumento donde más repercusión y desarrollo ha alcanzado este arte ya que hasta mediados del siglo XX, la guitarra estaba en un segundo plano. Hoy, sin embargo, no es raro asistir a un concierto sólo de guitarra. Paco de Lucía inició esta etapa innovadora y ha sido el músico flamenco que mayor popularidad ha alcanzado en el mundo. Su estilo personal ha creado escuela y le han seguido otros grandes guitarristas como Cañizares, Riqueni, Tomatito y Vicente Amigo.

El baile

Hoy el bailaor es más bailarín que antaño y esto ha hecho que pierda jondura. Dice Matilde Coral que la técnica se ha comido el arte. Antonio Canales, Joaquín Cortés, Belén Maya, Israel Galván y Sara Baras han introducido en su baile elementos de novedad e investigación y han triunfado en escenarios nacionales e internacionales. Hay otra generación que mantiene el baile ortodoxo de calidad. Son Javier Barón, El Mistela, Javier LaTorre, Eva La Yerbabuena, Juan Ramírez, Joselito Fernández, Antonio El Pipa, Farruquito.

El cante

Hay quien piensa que el afán de renovación y la orquestación excesiva han hecho perder autenticidad al cante para hacerlo más comercial. Sin embargo, han acercado el flamenco a los jóvenes que lo consideraban un género obsoleto. Los mayores innovadores de los últimos veinte años han sido Camarón de la Isla y Enrique Morente. El primero reunió elementos musicales de otros ámbitos, como el rock, la salsa o el pop, e introdujo instrumentos alejados del flamenco como la batería o el bajo en cantes por los palos tradicionales. De esta manera, consiguió atraer a gran cantidad de público joven. Sin embargo, es Enrique Morente quien ha liderado, a sus sesenta años, la corriente del llamado “nuevo flamenco” o “flamenco joven”. En sus últimas presentaciones está volviendo a las raíces.

Entender el flamenco…

Si uno quiere iniciarse en el mundo del flamenco, hay una norma muy clara: empezar por lo que más gusta, sin reparos. Este método no falla nunca, porque después uno va tirando del hilo y poco a poco va descubriendo nuevos valores, ya sean de la nueva o de la vieja escuela, tradicionales o revolucionarios, ortodoxos o del llamado nuevo flamenco. En esflamenco.com apostamos por esta forma de proceder al mismo tiempo que intentamos ofrecerte una pequeña guía de iniciación.

1 Cante antiguo, las sólidas raíces del flamenco
Guía flamenca: escuchar, leer, ver y aprender

2 El top ten de esflamenco.com
Repasamos los 10 mejores discos de la historia

3 Flamenco jazz, fusión de sonidos raciales
Guía flamenca: escuchar, leer, ver y aprender

4 Sevillanas, símbolo de la fiesta flamenca
Guía flamenca: escuchar, leer, ver y aprender

5 Herederos de Camarón
Un repaso por aquellos artistas que han seguido los pasos del mito gaditano

6 Vídeo: Paco de Lucía
El maestro de la guitarra comenta su interpretación del “Concierto de Aranjuez”

7 Vídeo: “Iberia”
Enrique Morente canta en la película de Carlos Saura

8 Vídeo: Indialucía
Fusión de flamenco y música hindú

9 Vídeo: Vicente Amigo
Vídeo musical del tema “Tres notas para decir te quiero”

MODACHROME, el color en la historia de la moda

Vestido de día del siglo XIX (1874). El vestido muestra el color malva del periodo marcado por el primer tinte sintético de anilina, creado por William Henry Perkin en 1856 (Foto: Kyoto Costume Institute, Taishi Hirokama).
Por: Julia Sáez-Angulo
“Nadie puede imaginar un mundo sin color y menos en el arte del vestir. Es la tesis que sostienen Andrés Carretero y Akiko Fukai, los comisarios de una colorista exposición que tiene lugar en el Museo del Traje hasta el próximo 23 de septiembre. La muestra está organizada por el Ministerio de Cultura y el Kyoto Costume Institute. Entre los trajes expuestos figuran piezas de Fortuna, bien representado en el museo.

Modachrome explora la relación histórica y social entre la moda y el color desde el siglo XVIII a nuestros días a través de cinco áreas temáticas que agrupan todos los trajes expuestos en torno a un solo concepto: el color.

Son muchos los artistas y estudiosos que han teorizado sobre el color y los diseñadores de moda que se han decantado por alguno de ellos como definitorios de su estilo y estética. Recuérdese, por ejemplo el rojo de Valentino; el rosa eléctrico de Schiaparelli; el negro de Chanel o la ausencia de todo negro en los diseños de Ágata Ruiz de la Prada. O la presencia de todos ellos en diseñadores como Puci. Algo similar cabe decir de los pintores.

“El color es vida”, escribe Johannes Itten, teórico de la Bauhaus en “El arte del color”. Albers fue otro gran pintor que teorizó con acierto sobre el cromatismo en el arte, del que por fuerza se hace eco la moda. El color refleja el estado de ánimo, los sentimientos, la audacia, las preferencias… El color cobra un valor simbólico para bien y para mal. El amarillo trae mala suerte, dicen los actores de teatro, porque con ese color murió Molière. El azul favorece a todo el mundo, por lo que son muchos los que se apuntan a él.

Los ensayos del catálogo acogen los títulos de “El color como placer”, de Akiko Fukai; “El color: expresión pictórica de la moda”, de Amalia Descalzo y Lucina Llorente; “Las dos caras del rojo” de Claude Lévi-Strauss; “Manet, Impresiones del negro, de Claude Ibert; “La moda en los colores y en los tintes naturales: La historia bajo tensión”, de Dominique Cardon y “Azul, la poesía del espacio y el cuerpo” de Yasuo Kobayashi.

La exposición “Modachrome” del Kyoto Costume Institute se presenta por vez primera en Madrid y se enriquece con las mejores piezas del Museo del Traje en España. “”El tema central de la exposición, el color, no es una mera excusa, es un elemento central de la indumentaria y su consideración social”, dice Andrés Carretero, director del museo. “El color ayuda a ordenar la muestra y ofrece un acercamiento estético al discurso pero, naturalmente, supone un elemento de reflexión cultural sobre nuestras formas de vestir”.

En su libro “La teoría del color”, Goethe insiste de forma acertada en la ambivalencia del rojo, en su opinión el más elevado de todos los colores” –recuerda Lévi-Strauss-. “Sin embargo al ser un pigmento puede variar su intensidad. Por ello la dignidad que da la edad y en la ternura de la juventud, uno se puede vestir con el mismo color.

Traje de amazona (1880-1890). Traje francés formado por chaqueta y falda. Tanto por forma como por color, siempre negro o muy oscuro, son trajes caraterísticos del siglo XIX y principios del XX, años en los que la mujer va adquiriendo un mayor prestigio social, conquistando su libertad e incorporándose a las actividades al aire libre (Foto: Museo del Traje, Joaquín Cortés).

Vestido de noche de Lucien Lelong (1935). Lucien Lelong abrió su atelier en 1919, y fue muy admirado por su técnica. Sus creaciones destacaban la belleza de los tejidos más que la originalidad del diseño (Foto: Kyoto Costume Institute, Takashi Hatakeyama).

[foto de la noticia]Vestido de cóctel de Christian Dior (1956). En el año 1947, Dior lanzó la línea ‘New Look’, una silueta de cintura estrecha y marcada cadera, que supuso un punto de partida para la moda de los años cincuenta (Foto: Kyoto Costume Institute, Takashi Hatakeyama).
[foto de la noticia]Vestido de Yves Saint Laurent (1967). Al final de los años 60, la moda occidental buscaba fuentes de inspiración en otras culturas. Este vestido de la colección africana de YSL evoca en las telas a las prendas tradicionales tribales y el escote embellecido reinterpreta un collar africano (Foto: Kyoto Costume Institute,
[foto de la noticia]Vestido mini (1968). Este vestido, hecho en papel, no tejido y barato, representa un dibujo estampado basado en una serigrafía de Warhol; ejemplo perfecto de la inclusión del pop art en la moda ‘prêt-a-porter’ (Foto: Kyoto Costume Institute, Takashi Hatakeyama).
[foto de la noticia]Vestido de Issey Miyake (1997). Diferentes tonos de azul, amarillo, naranja, verde y negro se superponen con capas de tejido combinando técnicas industriales de fabricación de alfombras (Foto: Kyoto Costume Institute, Takashi Hatakeyama).
[foto de la noticia]Chaqueta y falda de Junya Watanabe (2000). El rojo de la chaqueta y el amarillo brillante de la falda de este conjunto ponen de relieve la intensidad de color característica de los tintes sintéticos (Foto: Kyoto Costume Institute, Takashi Hatakeyama).

por Marta Reig

UNA MUESTRA EN MADRIR…

“¿Sabrías asociar colores con conceptos? Hay múltiples estudios sobre lo que significan los colores y las sensaciones que nos producen. El color es una parte del espectro lumínico, y, al fin, es energía vibratoria.

Los colores afectan de diferente forma a cada persona. Muchas veces no somos conscientes de las sensaciones que nos produce un color pero sí que sabemos si el azul nos gusta o sí el violeta nos espanta. A la hora de vestirnos elegimos un modelo que nos guste, pero también nos preocupamos por su color. Y en ello influyen muchos factores, no sólo nuestros gustos, sino también nuestra cultura e historia. ModaChrome es una exposición que explora precisamente esto, la relación histórica y social entre la moda y el color.

La exposición evita el habitual recorrido cronológico: los trajes están expuestos en cinco espacios, cada uno dedicado a un color. El negro es un color que simboliza la austeridad, la elegancia y poder. El azul gozó de prestigio en el siglo XIX tanto en la nobleza como en el ciudadano medio. El rojo y el amarillo, agrupados en una misma zona, son colores de larga tradición en la cultura española y el blanco lo asociamos a la pureza, la inocencia y la elegancia. También hay una zona multicolor, dónde pueden verse una selección de trajes estampados.

Las 53 piezas que se exhiben abarcan los últimos tres siglos de la moda de Oriente y Occidente: Chanel, Dior, Balenciaga, Donatella Versace, Pucci o Miyake. A través de estos trajes se presenta una visión de la historia de la moda en torno al color, con la intención de llamar la atención sobre la atracción, el placer y el dinamismo que este nos provoca.

Y es cierto que a lo largo de la historia la moda ha plasmado los rasgos fundamentales de la sociedad. Así, movimientos artísticos como el Modernismo, el Pop Art o el Rococó han tenido también su reflejo en la moda y el color.”

Una excursión por las tendencias de la moda de los tres últimos siglos

Hashion History / Historia de la Moda

La ropa define a las personas. Cualquier tipo de indumentaria, ya sea un sari, kimono o un traje, es un símbolo relacionado con una cultura, clase, personalidad o religión. El Instituto del Traje de Kioto (Kioto Costume Institute – KCI) reconoce la importancia de concebir el vestido desde un punto de vista sociológico, histórico y artístico. Fundado en 1978, el KCI posee una de las colecciones de ropa más completa del mundo y ha organizado multitud de exhibiciones.

Con especial énfasis en la ropa de mujer del oeste, el KCI ha reunido un amplio surtido de prendas históricas, ropa interior, zapatos y complementos de moda que datan desde el siglo XVIII hasta nuestros días. Como si de un escaparate se tratara, mostrando una amplia selección de trajes de los archivos del Instituto hábilmente desplegados sobre maniquíes y reproducidos por expertos fotógrafos, Fashion History se convierte en una excursión fascinante por las tendencias de la moda de los tres últimos siglos.

El KCI cree que “la ropa es una manifestacion esencial de nuestro más auténtico ser” y su pasión y dedicación se transmite positivamente a través de cada una de las páginas de este libro. Esta edición especial del 25 aniversario tiene un nuevo formato más chic: dos volúmenes extraibles en una caja.

Los autores: Akiko Fukai (Chief Curator del Kyoto Costume Institute), Tamami Suoh (Curator del Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (Profesor de Historia de la moda en el Sugino Fashion College (Tokyo)), Reiko Koga (Profesor de Historia de la moda en la Universidad femenina de Bunka), y Rie Nii (Assistant Curator del Kyoto Costume Institute).



La evolución del estilo desde la antigüedad hasta 1888

THE COMPLETE COSTUME HISTORY / Completa historia del Traje

Publicado originalmente en Francia entre 1876 y 1888, Le Costume Historique, de Auguste Racinet  es el estudio más vasto e inteligente sobre la historia del vestuario. Cubriendo la historia del mundo del traje, el vestido, y el estilo desde la antigüedad al final del siglo XIX, este gran trabajo consolidado en 1888 en 6 volúmenes, sigue estando vigente hoy día, por su alcance y detalle. La organización y división de Racinet  en cultura y tema se ha preservado en la reimpresión magnífica y completa de TASCHEN, así como extractos de sus descripciones encantadoras y comentarios a menudo ingeniosos. Leyendo estas maravillosas ilustraciones cuidadosamente detalladas y exquisitamente coloreadas, descubrirá todo acerca del vestuario de los Etruscos, el traje esquimal tradicional, o el “couture” femenino francés del siglo XIX. Aunque el estudio de Racinet atraviesa el globo a partir de épocas antiguas hasta la suya, su foco está en la ropa europea desde mediados de 1880, tema que trata con pasión y atención al detalle. The Costume History es una referencia absolutamente inestimable para los estudiantes, los diseñadores, los artistas, los ilustradores, y los historiadores; es también un libro fascinante e inspirador para cualquier persona con un interés en la ropa y el estilo.

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CONTENiDOS

Parte I – El mundo antiguo (Egipto, Siria, Israel, Persia, Grecia, Etruscos, Greco-Romano, Roma, Europa bárbara, Celtas)
Parte II – Siglo XIX. Más allá de las fronteras de Europa (Oceanía, África, Esquimales, Indios Norteamericanos, Indios Mexicanos, Indios Suramericanos, China, Japón, India, Ceilán, Oriente, Turquía)
Parte III – Europa 400-1800 (Bizancio, Polonia, Italia, España, Alemania, Francia, Inglaterra, Holanda)
Parte IV – El traje tradicional de fines del siglo XIX (Escandinavia, Holanda, Escocia, Inglaterra, Alemania, Suiza, Rusia, Polonia, Hungría, Grecia, Italia, España, Portugal, Francia)
Parte V – Patrones y plantillas

Un libro super recomendado por la calidad de imágenes y la organización del material.

Otras publicaciones similares

Concurso Moda por la vida: El preservativo al cuerpo

| | | “MODA POR LA VIDA / El preservativo al cuerpo” es un proyecto pensado como estrategia de sensibilización y promoción de derechos en el marco de la prevención del VIH/Sida, a través de una propuesta creativa: convocar a diseñadores y artistas a crear, diseños de moda, utilizando como materia prima preservativos.

Un concurso de diseño de moda que, valiéndose de múltiples herramientas como medios masivos de comunicación, nuevas tecnologías de la información y de la comunicación (TIC´s), espacios de encuentro, etc., lleve al centro de la opinión pública contenidos acerca de la temática VIH/Sida. La propuesta busca difundir de manera original políticas de prevención, fortalecimiento y promoción de derechos estimulando la participación y atención del público joven.

MODA POR LA VIDA surge como una acción concreta, que cobra la forma de un concurso creativo, de participación abierta y gratuita, en donde estudiantes, profesionales, artistas y aficionados pueden participar creando indumentaria y usando como materia prima el preservativo.

Lo innovador de este proyecto es que, desde el campo de la moda y el diseño de indumentaria, opera como una campaña de prevención y sensibilización, donde los diversos actores involucrados llevarán adelante un proceso de apropiación y producción de sentido en torno al tema y los múltiples factores que lo atraviesan. Diseño de la foto: Adriana Bertini

Presentación de formularios de Inscripción y Bocetos

Es importante que todos aquellos que deseen participar en el concurso “Moda x la Vida”, sigan los siguientes pasos:

1 – Completar el formulario de Pre-inscripción. La misma se realiza por Internet
2 – Hasta el 1 de Junio tienen tiempo para entregar el formulario de inscripción y el boceto en la Oficina de Derechos Humanos de la Municipalidad de Rosario. El formulario y el boceto se deben colocar en sobres separados, cerrados y con un seudónimo. Colocar el seudónimo en la/s hoja/s del boceto y en el formulario de inscripción.

Los sobres deben tener únicamente la siguiente descripción en su exterior:
– Concurso Moda x la Vida
– Formulario inscripción o Boceto (según el sobre)
– Seudónimo

La Oficina de Derechos Humanos recibirá los sobres en el horario de 12 a 14 hs., de lunes a jueves en Aristóbulo del Valle y Callao (Estación Rosario Norte)

Bases e Inscripción

Objetivos Generales:

• Divulgar información clave sobre prevención del VIH/Sida entre los medios masivos de comunicación y los públicos más vulnerables.

• Difundir el uso del preservativo como icono principal de las acciones de prevención del VIH/Sida.

• Sensibilizar y promover los derechos de los jóvenes a la salud en el marco de la prevención del VIH/Sida.

• Generar un hito anual que integre moda, creatividad y conciencia sobre la temática VIH/Sida. Obtener efecto multiplicador en medios masivos, redes sociales y blogósfera.

Objetivos Específicos:

• Diseño de un traje de indumentaria que tenga como materia prima principal el uso de preservativos. La pieza diseñada podrá ser de mujer o de hombre y deberá tomar en cuenta las características detalladas en las condiciones generales.

Condiciones Generales:

1. Participantes: El concurso está abierto para todos aquellos que quieran participar: Artistas, aficionados, estudiantes y graduados de carreras de nivel terciario y universitario orientadas al arte, diseño y a la comunidad en general.

2. El traje diseñado podrá ser de una o dos piezas y deberá ser único e inédito. Deberá ser versátil y factible de ser desfilado por un modelo (hombre o mujer) en el desfile de presentación. Cada propuesta deberá estar acompañada de una breve fundamentación en hoja A4 que no supere las 20 líneas.

3. Los participantes cuyos diseños sean preseleccionados por el jurado, podrán retirar la cantidad de preservativos necesarios para la confección de la vestimenta. Dichos preservativos donados por Camaleón – Cidal S.A., estarán a disposición de los preselecciondos previa firma de una declaración jurada acerca del uso exclusivo del material entregado para la producción de la pieza diseñada, prohibiéndose toda clase de comercialización de los preservativos en cuestión. El domicilio de entrega de este material será la Oficina de Derechos Humanos de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario, ubicada en la calle (Aristóbulo del Valle y Callao – Estación Rosario Norte).

4. La organización conforme el resultado de la muestra, se reserva adicionar al reconocimiento y difusión, otro reconocimiento o premio de las obras ganadoras.

5. Jurado: Se realizará una preselección de los modelos finalistas. La selección final del modelo ganador (1), se realizará el día del desfile final. El jurado designado será el encargado de determinar el ganador del concurso, el mismo está integrado por: directores – organizadores – funcionarios, diseñadores de indumentaria, especialistas en la temática VIH/Sida.

Plazos:

El calendario del presente concurso se ajustará a las siguientes fechas:

1) Lanzamiento de la convocatoria:

2 de Marzo 2009, en Rosario

Participan: Organizadores, miembros de comunidad de escuelas de moda, medios de comunicación.

2) Inscripción de participantes:

Desde el inicio de la convovatoria hasta el 15 de mayo de 2009 podrán inscribirse en el blog de la actividad: http://www.modaxlavida.org .

3) Entrega de bocetos:

Los concursantes deberán entregar y enviar en formato digital, un boceto de la prenda diseñada, con la cantidad aproximada de preservativos necesarios para su confección, entre el 1 de mayo al 1 de junio de 2009 en la Oficina de Derechos Humanos de la Municipalidad de Rosario, en sobre cerrado con seudónimo. El formulario de inscripción, deberá ir en otro sobre.

4) Pre-selección y entrega de materiales (preservativos) para confección:

15 de junio de 2009, lugar designado por Camaleón en Rosario.

5) Presentación de propuestas terminadas:

Hasta el martes 15 de septiembre. Lugar de presentación a designar. A partir de su entrega las piezas quedarán en propiedad del organizador para la presentación en el evento y para posibles exhibiciones posteriores al mismo.

El autor/es de las obras conservarán lo derechos derivados de la propiedad intelectual.

Desfile presentación y selección final a cargo el jurado:

El domingo 20 de Septiembre de 2009, en Terrazas de Paraná.

Presentación de propuestas (bocetos):

Cada diseño de indumentaria se presentará a través de un boceto, firmado al dorso con el nombre del seudónimo que identifique a su autor. Deberán acompañarse de una copia en soporte digital (formato JPG y PDF) y una breve explicación en hoja A4 que no supere las 20 líneas.

Además se acompañará de un sobre cerrado con los siguientes datos:

Sobre: Deberá contener los datos personales de su autor (nombre, dirección, teléfono, dirección de correo electrónico, fax y cualquier otro dato que lo identifique), y en caso de que pertenezca a una institución educativa, los datos de la academia/escuela a la que asiste (nombre, dirección, teléfono, correo electrónico, página web, nombre del/la director/a), consignando año en el que está cursando o fecha en la que se graduó.

Entrega del premio:

La entrega del premio se realizará una vez concluidos todos los trámites del mismo.

Aceptación de las bases:

La presentación a este concurso de ideas implica, por parte de los concursantes, el conocimiento y aceptación de las presentes bases.

Bienal de Arte Textil en Buenos Aires con múltiples eventos durante Abril

5º Bienal de Arte Textil en Buenos Aires en el Palais de Glace

:: Horarios: Martes a Viernes de 12 a 20hs. Sábados y Domingos de 10 a 20hs.

:: Lugar: Palais de Glace (Posadas 1725 – Cap. Fed.)

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Desde el miércoles 1 hasta el domingo 26 de abril se desarrollará en la Ciudad de Buenos Aires la 5ta. Bienal Internacional de Arte Textil, que tiene como sede principal al Palais de Glace. En el marco de esa actividad, se exhibirán los Grandes Premios del Salón Nacional de Arte Textil que son patrimonio del museo, desde su primera edición en 1978 hasta el 2008.  Junto con esta muestra y también en el marco de la Bienal, se exhibirá una convocatoria internacional seleccionada por un jurado también internacional y una exposición por invitación que incluye artistas locales y del exterior.

También hay muestras simultáneas en diferentes museos de la ciudad:

Museo Nacional de Arte Decorativo
“Los Arcanos en seda” Silke.
:: Inauguración: 10-3-09 a las 19 hs.
:: Cierre: 26-4-09
:: Av. Libertador 1902. Bs. As.
:: Martes a Domingos de 14 a 19hs.”Tramas Contemporánea”. Muestra de Arte Textil Contemporáneo de 8 artistas Argentinas
:: Inauguración: 26-3-09 a las 19hs.
:: Cierre: 26-4-09
:: Av. Libertador 1902. Bs. As.
:: Martes a Domingos de 14 a 19hs.
Museo Fundación Rómulo Raggio
“I Salón Internacional de Quilts” y “Muestra de Tramas Planas y Espaciales” de la Cátedra de Dibujo del C.B.C. UBA – Prof. P. Rovella
:: Inauguración:16-3-09 /
:: Cierre: 30-3-09
:: Gaspar Campos 861. Vicente Lopez.
:: Lunes a Viernes de 13 a 17 hs.
Museo Nacional de Bellas Artes
Sala de “Patrimonio de Arte Precolombino”
:: Av. Libertador 1902. Bs.As.
:: Martes a Domingos de 14 a 19hs
Museo Municipal de la Ciudad de Buenos Aires Eduardo Sivori
Instalación y Performance : “Oro Azul”.
Muestra multidisciplinaría en los jardines del museo. En ella confluyen expresiones tales como la escultura, la performance. la música y el arte textil
:: Inauguración: 31-3-09 a las 20hs.
:: Av. Infanta Isabel 555. Bs. As.
:: Martes a viernes de 12 a 20hs.
:: Sáb, Domingos y Feriados de 10-20 hs.
Centro Cultural Borges
“Mitologias textiles” Muestra de artistas textiles Internacionales.
:: Inauguración: 3-4-09 a las 19 hs.
:: Cierre: 12-4-09
:: Viamonte esq. San Martín. Bs.As.
:: Lunes a Sábados de 10 a 21hs.
:: Domingos de 12 a 21hs.
Museo de Arte Popular J. Hernández
“Arte Popular, artesanía y arte: lo mejor del textil del Museo” Colecciones permanentes y piezas premiadas de los Salones de Arte Textil Contemporáneo de pequeño y mediano formato y de la Bienal de Artesanía”
:: Inauguración: 28-3-09 a las 11hs.
:: Cierre: 26-4-09
:: Av. Libertador 2373.Bs.As.
:: Miércoles a Viernes de 13 a 19hs.
:: Sáb, Domingos y Feriados de 10 a 20hs.
Centro Argentino de Arte Textil
“XIII Salón de Minitextiles”
:: Inauguración: 3-4-09 a las 16hs. /
:: Cierre: 28-4-09
:: Viamonte 1728 – 3º E- Bs.As.
:: Lunes a Viernes de 15 a 19hs.
Fondo Nacional de las Artes
“Blanco Textil”. Auspiciado por el Centro Argentino de Arte Textil (CAAT)
Muestra de artistas nacionales e internacionales
Color convocante el Blanco.
:: Apertura 25-3-09
:: Inauguración: 28-3-09 a las 18.30hs.
:: Cierre: 10-4-09
:: Rufino de Elizalde 2831.Bs.As.
:: Martes a domingos de 15 a 20hs.

Museo Nac. de la Historia del Traje
“Américas Sinuosas – Intersección de Extremos” Muestra de artistas Canadienses y Argentinas
:: Día de Presentación: 27-03-09 18hs.
:: Chile 832.Bs.As
:: Martes a domingos de 15 a 19hs.A partir del 2-04-09, esta muestra se expondrá en: Muchatela Taller
:: Lavalle 3946 de 19 a 21hs. /
:: Cierre: 11-04-09
:: Lunes a viernes de 12 a 18hs.
Centro Cultural Recoleta
“Hebra de Identidad”. La Rueca.
Muestra de artistas Cordobeses
Inauguración: 26-3-09 a las 15.30 hs. / :: Cierre: 19-4-09
:: Junín 1930. Bs. As.
:: Martes a Viernes de 14 al 21hs.
Sáb, Domingos y Feriados de 10 a 21hs.
Museo de Arquitectura y Diseño
“Proyecto Pieles” curaduría de A.Saltzman
Exposición de Martín Churba y trabajos Cátedra de Diseño de Indumentaria Saltzman.

“40 años de diseño textil en la Argentina” curaduría M.L.Muso
“Comfort Zone” (a confirmar)
Video instalación de Sheila Klein
“Memorias del Futuro”
Instalación en los jardines de Mirta Zak
:: Inauguración: 31-3-09 a las 18.30hs.
:: Cierre: 3-5-09
:: Av. Libertador 999. Bs.As.
:: Martes a Domingos de 14 a 20hs.
AMIA
Proyecto “Tramando Redes”
Tramando Redes será un acontecimiento que unirá en una misma red el arte, la solidaridad y las personas. Se convocó a artistas, grupos o entidades a que tejieran o intervinieran redes, las cuales serán unidas con las de los demás participantes conformando una gran red de comunicación y encuentro.
:: Inauguración: 3-4-09 a las 13hs.
:: Cierre: 31-4-09
:: Pasteur 633. Bs.As.
:: Lunes a Jueves de 10 a 19 hs.
Viernes de 10 a 16 hs.
Centro Cultural Plaza Defensa
“Punto de Encuentro” – grupo de artistas Argentinas bajo la curaduría de Berta Teglio.
:: Inauguración: 27-3-09 a las 19.30 hs.
:: Cierre: 25 de Abril.
:: Defensa 535. Bs. As.
:: Martes a Viernes de 14 a 20hs.
Sábado y Domingos de 17 a 20hs.
Salas Federales del Consejo Federal de Inversiones
Arte Textil “Precursores”.
Muestra de 13 artistas argentinos reconocidos por su trayectoria.
:: Inauguración: 30-3-09 a las 19.30hs.
:: Cierre: 24-4-09
:: San Martín 871. Bs.As.
Bolsa de Comercio de Buenos Aires
“Alto Puntaje”
Muestra de Arte Textil Contemporáneo nacional e internacional con obras seleccionadas por la convocatoria internacional realizada por la Bienal.
:: Inauguración: 30-3-09 a las 18hs. /
:: Cierre: 17-4-09
:: 25 de Mayo 359. PB. Bs.As.
:: Lunes a Viernes de 10 a 19hs.

:: Mas información: http://www.wta-online.org/ESP/Fuente: UBA, Coalición Universitaria